GIOVANNA LYSY

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La luce, la materia, la fusione dei metalli, questi gli strumenti che Giovanna Lysy utilizza per dar forma alle sue sculture.

Ogni opera è un frastagliato percorso di ricerca di un sinolo fra l’uomo e la natura che lo circonda in ogni sua forma.
Mediante lo studio e l’ascolto attento dei materiali, spesso reclamati alla terra della Val D’Orcia dove la Lysy ha il suo studio, prende vita l’elaborazione fisica e spirituale di ogni singola opera.

Così comincia e ha luogo l’incontro e l’equilibrio fra materia ed emozione, fra pathos interiore e mondo esterno, attraverso fiumi di metallo che tortuosi si insinuano fra cristalli in frantumi e lastre di vetro, frammenti di travertino e schegge di luce, carta lavorata con colla e pigmenti Giovanna Lysy fa di ogni mezzo un canale per esprimere il perpetuo ed inarrestabile mutamento della natura, ma non solo; l’artista focalizza la propria sensibilità sullo sforzo che l’uomo moderno è portato a compiere per poter vivere questo cambiamento in armonia con se stesso.

E proprio lungo questo percorso di ricerca si evincono la consapevole ed irriverente fragilità del nostro reo tempo, la necessità di ritrovare le proprie radici di essere umano, il desiderio di liberazione, di un assoluta assoluzione, il misto di paura e speranza, che questi frantumi emozionali e stratificazioni della persona, che le storie di vita scolpite dalla luce nella resina con la sapiente mano di artigiano guidata dall’indole di un artista unica nel suo genere per rappresentazione e rielaborazione di temi assolutistici ed universali, non diventino solamente aridi sedimenti.

Il lavoro di Giovanna Lysy è costellato di metafore e semitoni, carico di simboli e sfaccettature, che si insinuano con la complicità della luce in qualità di elemento fisico attraverso i vari strati di ogni pezzo. E proprio questa luce, spogliata di ogni valenza complementare o puramente estetica, ma elevata al pari di ogni altro materiale, non invade, non definisce, ma sottrae ed esalta.

Light, matter, metal: these are the materials with which Giovanna Lysy forms her sculptures.

Each piece is the result of her irregular search for unity between man and the elements of nature that surround him. Through careful study and interpretation of her materials, often reclaimed from the barren land of the Val d’Orcia where Lysy works, her sculptures come to life both physically and spiritually. In this way matter and emotion meet and find their own equilibrium, somewhere between inner intuition and the outer world, by means of rivers of metal that wind among shattered crystals and sheets of glass, surrounded by fragments of travertine and shards of light, or paper obtained with glue and pigments. Giovanna uses every possible means to interpret the perpetual and unstoppable transformation of nature, while also focussing all her energy on modern man’s effort to comply with this movement in order to live harmoniously with himself.

It is treading this path of research that one discovers the knowing and irreverent fragility of time, the need to recover one’s own human roots, the yearning for liberation and absolution; it is in this framework that we fearfully hope that these fragments of broken emotions and personal stratifications, these tales of life sculpted with light and resin by the hand of an artisan with the temperament of an artist – an artist unique in her vision and interpretation of absolute, universal, themes – should never become mere arid sediments of matter.

Giovanna Lysy’s work is interspersed with metaphors and semitones. The facets and symbols of her sculptures insinuate themselves with the complicity of light as a physical element through every layer. Light, in fact, stripped of any complementary or even aesthetic meaning, and elevated to the same value as all other materials, here does not define or invade, but subtracts and exalts.

The energy released by Giovanna Lysy’s sculptures springs directly from the soil. The history of her family home, La Foce, and of that beautiful valley, the Val d’Orcia, is at the root of her creative strength. Her use of stone, iron, and glass comes from childhood memories. “I loved to feel the heat of travertine paths in the garden burning the soles of my feet”, says Giovanna. “And iron is for me the symbol of strength, of man’s untiring work in the harsh clay soil of my valley”.

Giovanna was born in Rome, but her happiest memories are of her country home in Southern Tuscany, where in the 1920s and ‘30s her grandparents Antonio and Iris Origo gave birth to an extraordinary project: bringing prosperity and culture to a desperately poor and forgotten valley, the Val d’Orcia, known today as one of the most hauntingly beautiful and unspoilt areas of Italy. Antonio Origo dedicated his entire life to the farms, which included making new roads, building better houses for the ‘contadini’, introducing modern methods of agriculture, reclaiming fallow fields, controlling the erosion through forestry and good husbandry; while Iris followed the lives of the farmers, bringing literacy and care to the families with schools and day hospitals. Iris Origo’s books are now classics: her diary War in Val d’Orcia 1943-44, and her autobiography Images and Shadows, describe their life and the hardships they encountered there, both in war and in peace.

Giovanna herself says: ‘My sculptures were born here at La Foce, in the old frantoio (olive press) that has become my studio. They are mostly made from parts of obsolete agricultural machinery that bear poignant memory of the passing of time and testify to the tenacity and strength of the hard men who fought for survival in this hostile, arid land, and still transmit the natural magnetism of the earth.’

‘It was Cecil Pinsent, she continues, the architect of La Foce and creator of its now historical garden, whose work taught me to reflect, to absorb the life and history springing from these stones, to discover the perfect balance. I would stop, as a child, and look closely at the details of his geometric figures and the travertine benches that elegantly decorate the garden. I try to reproduce his spirit in my sculptures, guiding the eye along the lines of stone with the use of light, a basic element in all my work.’

‘La Foce and the Val d’Orcia have changed many times over the centuries, but the delicate equilibrium between man and nature has miraculously survived. These are the values that I hope to preserve in my sculptures, as a memory projected into the future, because I am convinced that only our roots – the knowledge of who we are and where we come from – can give us poise and security in the difficult world we live in today.’

Il mio lavoro è il frutto di esperimenti continui infatti questa attività mi permette di rinnovarmi continuamente, usando tecniche inusuali che portano materiali di natura diversa a convivere e mescolarsi. La ricerca nelle mie sculture è nata dalla necessità di trovare un equilibrio in un mondo in crisi e instabile. Per far ciò ho ripercorso la mia storia familiare alla ricerca di quei pun; saldi che nel passato sono state le scintille che hanno dato origine a nuove possibilità, nuove strade da percorrere, nuovi sogni.
La natura nella sua forza, equilibrio e resistenza, lo studio del territorio e dell’uomo che lo ha percorso son diventa; la mia guida. La strada che mi suggeriscono non è il raggiungimento di un obiettivo immediato, e non necessariamente visibile ad occhio nudo, ma è una lotta continua e costante per la vincita di piccole battaglie in cui il piacere della vita viene dato da dettagli che trovano i giusti ingranaggi che lentamente fan muovere la vecchia macchina ammaccata e arrugginita.
Dopo anni dedicati alla creazione di tessuti per l’arredamento lavorando a Como alla Ratti e a Venezia per la Rubelli, la mia ricerca parte da uno studio del classico, ma viene rivisitata continuamente per adattarsi alle nuove abitazioni e abitudini del mondo contemporaneo, creando un ponte tra passato e presente.
E’ infatti grazie a questo continuo esercizio per il raggiungimento di un compromesso che oggi, riguardando il percorso intrapreso, posso individuare tre fasi distinte del mio lavoro: La Costruzione, l’Esplosione e la Condivisione.
La prima, Costruzione, è una fase che si basa sulla ricerca di equilibrio nello spazio e nel tempo. E’ un periodo di geometria e architettura in cui utilizzo materiale agricolo dismesso o materiale di uso quotidiano per catturare l’energia accumulata nel passato, accoppiandola a materiali nuovi e di natura completamente diversa tra cui la luce. In questa fase essa serve per esaltare l’essenza di ogni materiale e viene assorbita o riflessa creando un ritmo che guida l’occhio come una musica.
La seconda fase, quella di Esplosione, è la ricerca dell’energia stessa, l’origine e il suo percorso.
Le mie sculture con rotture ed esplosioni, nonostante la loro prorompenza, sono una valvola di sfogo e trasmettono una sensazione di pace. E’ il momento in cui si libera l’energia accumulata sotto la superficie riportando un equilibrio complessivo, come potrebbe fare un soffione vicino ad un vulcano dormiente. Con sicurezza e forza ci permette di individuare l’energia‐guida che trova origine nel cuore della terra stessa.

La fase della Condivisione invece è rappresentata da installazioni che interagiscono con il paesaggio. Esse creano un legame tra lo spettatore e la natura circostante, lasciando libero spazio a emozioni e sensazioni dimenticate. Esse a volte ci catapultano in un mondo magico nato da ricordi d’infanzia, altre volte offrono un punto di osservazione inaspettato, ma inevitabilmente ci fan riflettere su territori e confini, su appartenenza e movimento. Le Tracce sono il simbolo del limite invalicabile dell’uomo nella modificazione del territorio. La necessità dell’uomo di controllare e dominare la natura ha bisogno, per non rischiare di eccedere, di parametri‐memoria da seguire e a cui tornare. Esse sono infatti la testimonianza del lavoro dell’uomo e dell’intervento nell’ambiente attraverso l’utilizzo della macchina. Detta in questo modo parrebbe tutto semplice e matematico: Uomo + macchina = potere infinito.
Ma le Tracce create dall’impronta di una ruota del trattore, scolpite in profondità con ritmo costante, sembra un percorso in salita a spina di pesce. Ci ricordano la fatica e il grande impegno necessario per compiere un’azione quotidiana come la cura di un campo. Infatti in realtà sappiamo bene quanto la forza della natura vada temuta, ma la natura umana, per sfida e curiosità, per inseguire i propri sogni, si spingerà sempre oltre i propri limiti, oltre i confini.
La Vela ne rappresenta a pieno il concetto. E’ l’intraprendere coraggiosamente un viaggio guardando oltre i confini, oltre le insidie della natura, con solo l’utilizzo dei pochi mezzi a disposizione (poche assi ed un lenzuolo). Ma la speranza porterà sempre l’uomo a spingersi oltre, alla ricerca di una condizione migliore. Nel mare lunare delle crete una zattera veleggia dignitosa e caparbia, simbolo di sopravvivenza ma allo stesso tempo di grande fragilità.
Posso immaginare la meraviglia dei miei nonni quando videro per la prima volta la valle. Un ondeggiare di crete aride intervallate da paesini medievali ai piedi di un vulcano dormiente. Un grande rispetto per l’umanità unito ad una ferrea volontà li hanno spinti ad intraprendere un complesso progetto che prevedeva la bonifica della valle e la costruzione di nuove abitazioni, una scuola e un ambulatorio.
Radici simboleggiano la nostra storia ma al contempo sono anche il simbolo del movimento incessante dell’uomo alla ricerca di altre realtà e possibilità. La guerra, popolazioni costrette all’esodo e le pericolose condizioni di equilibrio ambientali in cui viviamo, ci infondono un inquieto timore, spingendoci a dimenticare la speranza, il sogno. L’aspetto fiabesco delle radici che prendono vita, infatti fa riemergere in noi un ricordo infantile in cui meraviglia e aspettative si mescolano riportando un’ondata di energia. La presenza della luce inoltre non ci permette di ignorare queste emozioni costringendoci a soffermarci sui dettagli, ignorando volutamente la velocità, superficialità e leggerezza della vita che caratterizzano questo secolo.

Giovanna Lysy
Via Ghibellina, 102 – 50122 Firenze – Phone +39 338 8110645

Studio
La Foce – Strada della Vittoria 61 – Chianciano Terme

My work is an ongoing experiment. This means that I am always in a renewal mode: I combine unusual techniques to get very different materials to live together and enhance each other. My sculptures are born from a need to achieve a kind of balance in an unstable and critical world. So I have searched through my family history to find inspiration in the firm points that have given birth in the past to new opportunities, new roads, new dreams, like sparks in the night.

The strength, the equilibrium, and the endurance of nature, the study of my homeland and the men who spent their lives there, have become my guide. The road they point out to me is not one of immediate satisfaction, nor is it always visible to the naked eye. It is rather a constant fight towards victory over small battles, in which the pleasures of life are revealed by each detail slowly finding the right cog that will give motion to a battered and rusty machine.

After many years of creating textiles for interiors at Ratti’s in Como, and then at Rubelli’s in Venice, I decided to start my research by studying classical art, though I constantly revise and adapt it to the new styles and habits of our contemporary world, bridging past and present. It is thanks to this constant striving towards a compromise that today, looking back, I can distinguish three different phases in my work: Construction, Explosion, and Unity.

Construction, the first phase, in based on a search for balance in space and time. It is a period of geometry and architecture, in which I use obsolete agricultural implements or every day materials to capture the energy encapsulated in the past, adding to them new and completely different materials, like light, for instance. In this phase, light is used to exalt the essence of all the materials, becoming absorbed or reflected by a rhythm that guides the eye like music.

The second phase, Explosion, is dedicated to energy – its essence, its origin, its progress. The breakages and explosions of my sculptures from this period, though full of impetus, represent a kind of vent valve and transmit a peaceful sensation. Here all the energy stored under the surface becomes liberated and achieves an overall equilibrium – like a geyser near a sleeping volcano. Safely and strongly it indicates the guiding energy that lies in the heart of the earth.

The Unity phase is represented by installations that interact with the landscape. They create a link between the spectator and nature, opening a path towards forgotten emotions and sensations, sometimes catapulting us inside the magic world of childhood, sometimes presenting an unexpected point of view, but always making us reflect on territory and boundaries, on belonging and movement.

libro Giovanna Lysy